An atonishing return : 20 millions miles to Earth

I suggest we take a look at the color version of this film, which Ray Harryhausen described as the film he would have made, if he had had the budget at the time. The black and white photograms displayed here will serve as evidence.

A group of American astronauts return to Earth from a journey to Venus. This long journey is shown during the short prologue of the movie, as was the usual practice in science fiction movies at the time.

This prologue is intriguing. We find the same techniques used to create an impression of depth of field: stellar smoke, zooming in, dissolve, framing which emphasizes perspective, aerial shot of a cloudy sky, landing of the spaceship over the sea (it is the Mediterranean Sea in this shot). To the extent that the montage and composition of these shots are a partial reproduction of the credit titles of The Day the Earth Stood Still !

The same galaxy...
The same field of stars...

The same view of Earth...

Several questions arise in our black box. Does the prologue of 20 Million Miles to Earth plagiarize Robert Wise’s film? Or is The Day the Earth Stood Still also a copy of a previous film?
Or did the studios of the time, as they usually did for B-series movies, use the same archives for interstellar journey scenes? There are so many questions in the black box. I hope the readers’ sagacity will help us throw light on these questions.

The black box’s hypothesis : The prologues or credit titles are an imposed practice and a cliché in 1950s Hollywood science fiction movies. It was not about innovation, the technical and financial resources were rare back then. The budget was reserved for the special effects at the heart of the story.

The prologues could be rhetorical element of the science fiction genre, a way to tell the audience that they were watching a science fiction movie which takes place on an Earth threatened by alien (communist) invasion and governed by (atomic) fear, etc. The audience is transported by the prologue to a mindset ready to accept alien invasions and mutant monsters.

The prologues are definitely part of the film set.

Un retour sidérant : 20 million miles to Earth

Je propose la version couleur du film que Ray Harryhausen estimait être celle qu’il aurait faite si le budget de l’époque l’avait permis. Mais les photogrammes en noir et blanc mises dans la boite noire serviront de « pièces à conviction.

Des astronautes américains reviennent de Vénus. Le voyage est long, 20 million miles to earth ; mais comme d’habitude, il a lieu durant un prélude. C’est ce prélude qui est intriguant.

On retrouve les mêmes techniques pour effacer l’absence de profondeur de champ : fumée stellaire, zoom avant, fondu-enchaîné, cadrage accentuant une perspective, prise aérienne d’un ciel nuageux, arrivée sur terre au-dessus d’un océan (ici la mer méditerranée). Mais les plans, leur montage et leur composition semblent être une reprise du générique de The day the earth stood still !


La même galaxie...
Le même champ d'étoiles...

La même vue de la Terre...

Plusieurs questions s’agitent dans la boite noire : le prélude de 20 million miles to earth est-il un plagiat du film de Robert Wise ? Ou bien, The day the earth stood still est-il déjà une citation d’un film antérieur ? Ou bien encore, les studios de l’époque, comme c’était l’habitude pour des films de série B, utilisaient-ils les mêmes archives pour les scènes de voyages interstellaires ? Autant de questions qui demeurent dans la boite ! J’en appelle à la sagacité des lecteurs pour éclairer ces points obscurs.

Hypothèse de la boite noire : les génériques ou préludes des films de science-fiction des années 50 constituent un exercice imposé et un lieu commun dans le récit hollywoodien de science-fiction. Il ne s’agit pas d’innover, faute de moyens techniques et financiers dans cette partie de l’histoire. On réserve le budget pour les effets spéciaux qui constitueront le cœur du récit.
Ces génériques seraient un élément rhétorique du film de science-fiction. Une manière de dire au public : voilà, vous savez que c’est un film de science-fiction qui va se passer sur terre, car les temps sont à la menace (communiste), à la peur (atomique) etc. Ces préludes dépaysent le public pour les placer dans un état d’esprit propre à les faire admettre les invasions extraterrestres, les monstres mutants etc.

Ces génériques sont donc bel et bien des décors dans tous les sens du terme.

Freeze frame : The day the earth stood still

In 1951, aliens from outer space landed on Earth ? The action in The Day the Earth stood still takes place in our planet : the narrative and "message" of this film are "terrestrial".

Indeed, the long trip made by Klaatu and Gort is shown only in a few shots during the credit titles.

Let's get a closer look.

The editing of these shots suggests a trip from a faraway galaxy to Earth.

The title stands out in relief in order to give an illusion of depth of field; the field of stars doesn't differ from the visual flatness of the early movies.

The dissolves between shots suggest the motion of the flying saucer.

Robert Wise, most probably aware of the material's shortcomings, intensifies the idea of an outer space journey using 2 "tricks" : smoke floating in the foreground and canvas with stars in the background. The second "trick" is a slow and sligth zoom on the fixed image.

Depth of field is also created by the frame : the audience discorvers the moon in the first place and then makes out the American continent.

From the spaceship, the high angle shot of the earth and its atmosphere give an illusion ot depth.

But, with a final transition, the director finds a way to suggest depth of space. He inserts, in the beginning of the movie, a shot of an ocean taken from a plane.


From that moment on, with this illusion of motion, the film is able to find the missing depth of field in order to tell its story.

There is another tale in the blackbox about these film credits. We will get back to it.

Arrêt sur images : Le jour où la terre s'arrêta

En 1951, les extraterrestres arrivent sur Terre ! The day the earth stood still situe l'action sur notre planète : le récit et le "message" du film sont bien "terrestres".


En effet, le long voyage qu’effectuent Klaatu et Gort tient en quelques plans durant le générique.

Regardons-le de plus près.

Le montage de ces plans suggère un voyage depuis une galaxie lointaine vers la planète Terre.

Le titre a été mis en relief afin de donner une illusion de profondeur ; le champ d’étoiles ne se détachant pas de cette « platitude visuelle » des débuts du cinéma.

Le fondu-enchaîné des plans suggère le déplacement de la soucoupe.

Robert Wise, certainement conscient de la pauvreté du matériau, renforce l’idée d’un voyage dans l’espace en utilisant deux « trucs » : une fumée flotte au premier plan, la toile peinte constitue le second plan lointain.

Le second « truc » consiste en un lent et léger zoom avant de la caméra sur l’image fixe.

Outre la fumée, la profondeur de champ est rendu par le cadrage : le spectateur découvre en premier plan le satellite de la Terre et devine déjà le continent américain.

Depuis le vaisseau spatial, la vue en plongée de la terre et de son atmosphère crée l’illusion d’une profondeur.

Mais le réalisateur trouve par un dernier enchaînement un moyen de suggérer la profondeur de l’espace. Il insère, au début du film, un plan d’un océan pris d’avion.

Dès lors, le film trouve, avec le mouvement, la profondeur de champ qui lui manquait pour raconter cette histoire.

Il y a une autre histoire dans la boite noire à propos de ce générique. On y reviendra.

Star hunter : The Night of the Hunter

It’s 1955. We take a starry night out of the black box/a starry night comes out of the blackbox. It’s a night for a hunter...

A sweet old lady’s face appears slowly amidst a field of stars...

talking to star-like little children.

Lilan Gish as Rachel Cooper tells us a story from the starry sky.Her point of view is also the children’s and the spectators’, who are discovering the story.

A realistic depth is not necessary for this field of stars. Two dimensions are enough for this story to take place.

This two dimensional space is the place of confrontation between Good and Evil.

It is a symbolic place. The canvas representing a starry sky is the simplistic and naïf décor of the story.

As we get closer, we see a group of children playing hide and go seek. Almost simultaneously, we discover Evil and Misfortune on Earth.

The spectators leave the crime scene behind

and follow a man driving his car down a road.

The editing suggests a link between the previous scene and this preacher/sinner.

The field of stars, shining dots on a black background is, in all its cinematographic simplicity, a metaphorical space. The metaphor of Good, embodied by the old lady; of God whom the Machiavellian, mundane preacher speaks to, raising his eyes to the sky.

The setting is a haunted night, haunted by the hunter.

The moonlight on the barn is unreal. Realism is not necessary for the spectator to believe this story.

The sky becomes a shadow theatre, as we discover the monstrous shadow of the hunter, the ogre who “never sleeps”.

At the end of the movie, a Christmas garland decorated with golden stars in the background reminds us of the simple starry night décor of the beginning.

Maybe this starry night, this night of the hunter, is a poetic space where our deepest childhood fears are projected.